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ルート・ブリュック展 [展覧会(絵以外)]

東京ステーションギャラリーで開催中の「ルート・ブリュック展」に行った。
ルート・ブリュック(Rut Bryk) はフィンランドを代表する女性の陶芸家で、
1916年生まれなので、もう亡くなっている。 

北欧なので、綺麗な色彩で温かみのある素朴な作品、どれもがよかった。
フィンランドといえば、ムーミンが有名。素朴さ、愛らしさに通じるものが
あるような。。
ライオンのふりのロバ (1).jpg
チラシに使われている「ライオンに化けたロバ」、石膏に絵を彫って型を作り、泥漿を流しこみ、
釉薬を、、鋳込み成形というらしい。
イソップ童話で、ロバがライオンの皮を拾って、被ってみると、動物たちがライオンと間違えて
こわがって逃げるので、面白くて、ヒヒーーンとないて見せたら、とたんにロバだとバレたと言う話。
だから、ロバが、おなかに入ってるのだが、暗くて、お腹のロバは見えにくかった。
タテガミの宝石ふうの飾りは写真より実物がずっと豪華で立体感あり。
茶色のモノクロ作品もあり、これは、おなかのロバがはっきりわかる。花模様もかわいい。
ライオンのふりのロバ茶色 (1).jpg

ルート・ブリュックの両親は早くに離婚。蝶の研究者だっ父と暮らした。
ヘルシンキの美術工芸学校でグラフィック・アートを学んだ後、アラビア製陶所に入社。
絵付けの仕事をしたりした。幸せなイメージのやさしい絵。
「コーヒータイム」1945年
Rut_コーヒータイム.jpg


Rut_皿.jpg
「スグラフィート」という掻き落とし技法を同僚カイピアイネンから学び、制作した
「結婚式」1944年 シャガールふうの絵。
Rut_結婚式.jpg


イタリアへ旅し、初期のルネサンス芸術に触れた後の作品は宗教的なものが多い。
「母と子」
Rut_母と子.jpg

「最後の晩餐」この作品で、ミラノ・トリエンナーレでグランプリ受賞。
釉薬を用いて盛り上がった立体感と線。ステンドグラスのように見え、宗教的主題にふさわしい。
Rut_最後の晩餐.jpg

「東方の三博士」1944年 テーブルの天板。アラビア社と家具メーカーが共同で木製家具に
陶板をはめ込んだものを作った。
Rut_3人の博士.jpg

鳥のシリーズを作り始める。
Rut_鳥.jpg
これは陶器 ↓
Rut_陶器の鳥.jpg


大好きだった父が亡くなった後、父の研究課題の蝶をモチーフとした作品を制作した。
ホンモノと羽根のもようが同じ蝶の作品は、父が残した標本を見ながらの制作。
Rut_蝶.jpg
サブタイトルが「蝶の軌跡」とあるように、蝶シリーズの作品はたくさんあって、色も美しい。
会期の初めは、写真撮影OKだったのが、シャッター音がうるさいとの苦情が出て、撮影場所は
制限されていた。蝶のコーナーは色が綺麗なので、写真が撮れたら良かったのだが。
以降の写真は、チラシの裏に出てたもの。

ルート・ブリュック、後半の人生は、作風ががらりと変わり、立体に関心が移っていく。
始めは、こんなかわいい立体を進出させたもの、後退させたもの、大小の大きさで、
リズミカルに模様を描いた壁面用のパネル。
Rut_球.jpg

小さなタイルに模様をつけ釉薬で装飾、それらを組み合わせて作り上げた立体「都市」。
壁面でなく、床置き。
展示する場所によって、タイルのパーツを入れ替えると、様々な都市を表現することが
できるというアイディア。建築模型のようなものなので、かなり大きな作品。
Rut_都市.jpg

立体を組み合わせた幾何学的な作品は、北欧の自然の純粋な美しさを表現しているそうだ。
最後の方の壁面作品は、昔のレンガを残した東京ギャラリーステーションの壁面にとても
合っていた。
何年もかけて制作した最後の作品「流氷」は、フィンランド大統領の私邸の壁面を飾って
いるそうだ。国民的作家ならでは、であろう。
[ハートたち(複数ハート)]温かいものが伝わってくる良い展覧会でした[ハートたち(複数ハート)]
東京では、明日16日が最終日ですが、この後、伊丹、岐阜、久留米と巡回します。

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世紀末ウィーンのグラフィック [展覧会(絵以外)]

目黒美術館で開催されている「世紀末ウィーンのグラフィック」展、9日までなので、
あわてて見に行った。
アパレル会社創設者が自分のコレクションを京都国立近代美術館に寄贈したものである。

世紀末のウィーンを代表する作家は、クリムトであろう。そして、ウィーン、クリムトが
キーワードの大きな展覧会が2つ、現在開催されている。国立新美術館での「ウィーン展」、
東京都美術館での「クリムト展」である。

私が以前に見たもので、よかったのは、高島屋での「ウィーン世紀末展」
パリ・グランパレでの「クリムト・シーレ・モザー・ココシュカ」(1(2)

それらに比べると、これはグラフィックが中心なので、華やかさはないが、「分離派」が
好きだったら、おすすめ。点数が多いので、じっくり眺めると、結構、時間がかかるが面白かった。

これは、入り口

目黒_ウィーン入り口.jpg


入ってすぐが、クリムトの「ウィーン分離派の蔵書票」(1900年頃)
本で見る機会が多かったが、実物は、これとほぼ同じ大きさ。

クリムト_蔵票.jpg


1895年、パリで起こった「アールヌーヴォー」は、国境を越えて、ヨーロッパ全土に
広がった。ウィーンでは、1897年に「時代にはその芸術を、芸術には自由を」という
目標のもと、グスタフ・クリムト、ヨーゼフ・ホフマン、コロマン・モーザーらが、
「ウィーン分離派」を結成し、旧来の歴史主義に挑戦した。
  分離派=Secession ラテン語からの造語 正式名称はオーストリア造形芸術協会

これは、全部「ウィーン分離派展」のカタログ。
左上:ヨーゼフ・ホフマン装丁「第10回分離派展カタログ」
左下:コロマン・モーザー装丁「第13回分離派展カタログ」
右の2つは、コロマン・モーザー装丁「第8回分離派展カタログ」
ネクタイ?と思える大きさのカタログ。装丁だけでなく形もユニーク。

目黒wien.jpg


周囲がアールヌーヴォー模様で囲まれているお洒落な楽譜もあった。

目黒ウィーン楽譜.jpg


分離派は、「ヴェル・サクレム」(ラテン語:聖なる春)という機関誌を刊行した。
コロマン・モーザー「ヴェル・サクレム」のためのオリジナル版画 1902年
大胆な線と木版の彫りをいかした印象に残る作品。
ヴァロットンの木版画時代もこの頃だったかしらと頭に浮かぶ。

目黒ウィーン_もざー.jpg
カール・モル「ホーエ・ヴァルテの住宅(コロマン・モーザー邸)」)
「ヴェル・サクレム」のためのオリジナル版画 1903年

目黒ウィーン_カールモル.jpg

カール・モルは画家で、「分離派」の創設メンバー。クリムトが1905年に分離派を離れたのちも
「分離派」を支え、ゴッホのウィーン展覧会を開催した。書斎での自画像には、ゴッホの絵が見える。

ヨーゼフ・ホフマンは建築家で家具デザインもした。
コロマン・モーザーは、ホフマンの弟子である。
木版画は「分離派」の芸術家たちに重要視された。絵画よりも安いため一般の人が
購入でき、生活の中で身近なものになった。当時、ヨーロッパでは日本の多色刷り木版画が
人気で、「分離派」の版画にも取り入れられた。
  (日本の多色刷版画は彫りと刷りが分業だが、ウィーンでは制作者がすべてを行った)
オスカー・ココシュカ「山麓で羊といる少女」1906年
目黒ココシュカ.jpg


クリムトとシ-レのデッサン画が展示されてる部屋があり、見応えがあった。
「ウィーン大学の大広間天井画」を描くためにクリムトは、宣誓のポーズや、下向きの手だけ
とかローマ風の長い法衣の立ち姿など、いくつものデッサンをした。そのデッサン画を見ながら、
天井画のためには、おびただしい数のデッサンが必要だったことを実感した。
この展覧会で、一番良かったのは、シーレのデッサン。デッサンだが薄い鉛筆書きではなく、
もうそれで完成品の絵になっていた。線がいきいきとして力
強くすばらしかった。
会期の初めには、写真撮影OKだったのに、シャッター音がうるさいからと撮影禁止になっていて、
残念。


次の部屋は、ウィーン工房、図案集。

目黒wen.jpg

上:フリードリッヒ・ケーニッヒ「ミューズ礼賛」 1901年
下:フェルディナンド・アンドリ「天使と2人の人物」1905年頃
中央に天使を配し、両脇に人物というこの構図のものが、数点あった。
当時、流行ったのだろう。

目黒ウィーン2女.jpg


同じような構図を使う、図案の研究がなされるようになった。
デザインの工房が1903年に、ヨーゼフ・ホフマンとコロマン・モーザーによって設立され、
ウィーン工芸学校もデザインの教育改革がなされた。


モーザーの図案

目黒ウィーン_もざー模様.jpg


カール・オットー・チェシュカ「キャバレー、フレーダー・マウス上演本の表紙第1号」1907年
(下の黒白のもの)
モーリツ・ユンク「キャバレー、フレーダー・
マウス上演本の表紙第2号」1907年

目黒ウィーン_キャバレー.jpg


ポスターやカレンダーという日常生活に関わるグラフィックの制作も盛んにおこなわれた。
テオドール・ツアシェ「第6回国際自動車展のポスター」1906年

目黒ウィーン国際自動車展.jpg


ルートヴィヒ・ハインリヒ・ユンクニッケル「三羽の青い鸚鵡」
非連作「シェーンブルンの動物たちよりより」 1909年
  (ウィーンのシェーンブルン宮殿には動物園があり、世界最古の動物園である)

目黒ウィーン_3羽のおうむ.jpgエルンスト・シュテール「湖」1906年

一見、版画に見えないフェルディナンド・アンドリの「座る農婦」、立て膝という
ポーズ、実りの畑が印象に残った。


ここでは、取り上げなかったが、「分離派」は建築の分野に後に残る良い作品が多かった。
代表格オットー・ヴァーグナー関連の習作やスケッチがあり、アドルフ・ロースの
家具で構成された部屋があった。

「分離派」に興味のある人には、面白い展覧会。入場料も800円と安い。
6月9日(日)まで。


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杉浦非水展 [展覧会(絵以外)]

杉浦非水(1876~1965)、その名を初めて聞く人も多いだろう。
私は、yk2さんの記事、「吉田博とアンリ・リヴィエールと同時代の日本版画の作家たち2
で、「杉浦非水」の昔の三越のシンプルで明快な広告を見て、古さを感じさせないデザイン
が記憶に残った。

この展覧会は、近代美術館の一角(一部屋)で開催されていたので、前々記事の「福沢一郎展」や
「コレクション展」を見ると、入場無料で見れるシステムだった。

非水_看板.jpg


展覧会は、「イメージコレクター・杉浦非水展」というタイトル。
非水は、東京美術学校の日本画科に入学するが、油絵科の教授・黒田清輝がフランスから
持ち帰ったアールヌーヴォーの写真や書籍を見て感銘を受け、黒田邸に通い模写、図案家
を志した。卒業後、三越のポスター制作の仕事に携わり、商業美術の分野を発展させた。
ヨーロッパに遊学の後、教え子らとポスター研究会を作り、多摩美術大学の創設に
加わり初代校長となった。図案家としての制作の傍ら、図案芸術を広めるという功績を
残した。
「三越銀座店 四月十日開店」のポスター(1930年)
都市生活への憧れを喚起する百貨店というイメージのポスター。
着物姿が大半の時代、この女性の服装は大変モダンなしゃれたものだっただろう。

非水_三越ぎんざ.jpg


展覧会のチラシは、これ。

非水_ちらし.jpg

なんで、こんなにいろいろなものが、、と思ったが、見終わってわかった。
「イメージコレクター・杉浦非水展」というタイトル。
コレクションしたもの(インプット)から、作品をつくる(アウトプット)という
作業に焦点を当てた展覧会なのだった。
左上のほうにある馬の写真は、このポスターの馬に使われたのだろか。
「戦後の用意」逓信省(現・郵政省)のポスター (1915~19年)

非水_貯金広告.jpg

日清、日露戦争の後、1910年、日本は韓国を併合。
その時代に日本交通公社の依頼で作った観光客用の「KEIJYO、CHOSEN の地図」(1913年)
と「JAPAN」(たぶん地図)1910~20年代
アールヌーヴォーの影響だろうか。この時代の作品は、花、山など自然をモチーフにしたものが
多く、かわいい感じにまとめている。

非水_JTB.jpg

ヤマサ醤油(1920年代)
パターンが2つある。
非水_ヤマサ醤油.jpg


地下鉄開業(1927年)
これは私が一番好きな広告。遠近法と影絵での細長い人々が当時は斬新だっただろう。
下の地下鉄広告には、みっしりと人が描きこまれ、押すな押すなの大盛況というイメージを
伝えている。
非水_地下鉄.jpg


台湾の観光案内「FORMOSA TAIWAN」(1928年)
FORMOSAは欧米諸国で使われていた台湾の別称。

非水_台湾旅案内.jpg


日立冷蔵庫(1933年)

非水_日立冷蔵庫.jpg


非水は図案としてのモチーフを、組み合わせて使った。同じものに変化を加え、
再利用することもあった。
上の白クマを17年後の「AUROLA」(1950~60年代)の広告図案に用いた。
非水_しろくま.jpg


同じポーズの踊る人のモチーフの使用例
左:雑誌「帝劇」に掲載された三越の広告図案(1920年代)
右:第25回光風会展覧会出品作「ピエロ」(1938年)

非水_ピエロ2つ.jpg


今でこそ、インターネットを介して多くの写真や絵を手に入れることができるが、
非水の時代には、多くの資料を持つことが図案家の財産だった。それらを組み合わせて
新しい図案を作っていった非水は、作品集、図案集を出版した。
ポスターから図案へと活動が広がり、多摩美術大学の校長と教育者になった非水は、
工芸活動のひとつとして図案をとらえるようになっていった。
この展覧会の図録の表紙は、これである。三越で帯のために考えた図案。

非水_表紙.jpg


工芸家の渡邊素舟は、非水の図案の特質を「線における形の単純化」と述べ、
「日本の伝統的な装飾図案はみな絵画的図案であったが、欧州の新芸術が輸入されると
図案の様式が急転した」そして、非水が具体的な図案を提示したと功績をたたえている。

非水が校長を勤めた多摩美術大学図案科の機関誌「デセグノ」(エスぺランド語で
デザインを意味する)の内容は、商業美術、工芸美術、産業工芸まで含み、日本の図案
からデザインへの展開のようすを見ることができる。
「デセグノ」が開かれて展示されているページを見て驚いた。早くに亡くなったので
私は会ったことがない親戚の執筆ページだったのである。

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エミール・ガレ(自然の蒐集)展 [展覧会(絵以外)]

tirasi.jpg

☆この展覧会は終了しました。


「清朝のガラスとガレ展」をサントリー美術館で見たが、ガレと打ち出していた割には、
ガレ作品が少ないと思った。夏になるとガラス器に惹かれる。もっとガレ作品を見たい
なーと思っていたら、コザックさんの記事で、箱根ポーラ美術館で、ガレ展をやっている
と知り、自然界の森や海に焦点を当てた展覧会という内容が面白そうなので出かけた。

1846年、フランス北東部のナンシーで生まれたガレは、父も腕のいいガラス器職人だった。
1867年、パリ万博に出品した父の代理として半年間、パリに滞在したガレは、そこで、
日本の北斎漫画や絵画を見る。そして「菊」の花に惹かれ、ナンシーに日本の農商務省
派遣で留学していた高島北海に「菊について教えてほしいことがたくさんございます」
と手紙を出した。

最初の部屋では、菊の花をモチーフにした作品がたくさん展示されていた。
チラシ一番上左のガラス器は透明色のガラスを素地としたエナメル彩。同じような形で、
カマキリやトンボのものがあるが、これは「菊」の模様。好きな作品。
↓ このオレンジ色の器も菊模様。



kiku_edited-1.jpg

こちらも全部、菊。
この展覧会はいくつかの作品を除いて、撮影可になっていた。

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窓越しに緑の木々が見える展示のしかた、自然を取り入れていて、いいなと思った。
この展覧会のテーマに沿っている!この時は小雨だったので、木々も煙って見える。

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左側、日本の花と鳥らしい。右側は?


これは、季節の花、あじさい。

ajisai.jpg

こちらは大麦で、下に東大の研究所作成の「押し花」が展示されていた。


oomugi_2.jpg


oomugi_oshibana.jpg


蝶の模様の所には、綺麗な色の蝶の標本があった。
ポーラ美術館の所蔵品、モネの「グラジオラス
」が対で展示されているのも目をひいた。


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モネの「睡蓮」と「太鼓橋のある睡蓮」に挟まって、睡蓮の模様の器の展示。


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bonard.jpg

ボナールの大きな絵「りんごつみ」(右)と左(題名忘れ)*も間仕切りとして使われていた。

                               *山羊と遊ぶ子供たち


ルノワールの「アネモネ」とルドンの「アネモネ」に挟まれて、アネモネ模様の花瓶が
あった。絵画をたくさん持っているポーラ美術館ならではの展示。

renoir.jpg


AnemonRudon.jpg


最後のコーナーは、海の生き物のモチーフ。
50才を過ぎて、ガレは、ドイツの動物学者ヘッケルの著書「自然の芸術形態」に出会い、

深海の生き物の美しさに魅せられる。ヘッケルの図版は当時、大人気だったそうだ。
ジュール・ヴェルヌの「海底2万マイル」はこの頃、すでに注目されていた。
garet.jpg



ヘッケルの図版を参考に、ガレは海の生き物をモチーフにして制作をした。
「クラゲ文花瓶」(北沢美術館)

uminkurage.jpg


「海藻と海馬文花器」
透明地に赤のガラスを被せ、海藻と海馬(タツノオトシゴ)を彫り、口縁に
ボードレールの「惡の華」からの一文を彫っている。晩年のガレは、象徴主義の文学
にも深く関わっていた。


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植物学や生物学の大いなる知識と卓越した技術を駆使して、傑出した芸術作品を
生み出したガレは、植物や昆虫、海の生物といったモティーフをデザイン化した。
まさに自然を蒐集するコレクターといえよう。

展覧会後の休憩

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ガレも愛した清朝皇帝のガラス [展覧会(絵以外)]

サントリー美術館で、開催中の 「ガレも愛した清朝皇帝のガラス」展に行った。
ガレの作品が好きなので、行きたいなと思っていたところ、新聞(日経)に出ていた
展覧会紹介の写真の「ブルーに茶色の被せガラス、模様は魚」という花瓶の重厚さが

すばらしくて、見入ってしまった。しかもヴィクトリア・アルバート美術館からの
とのこと。見なくては。

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見てよかった。
私はガレ作品には、ジャポニズム=日本の影響があるとしか知らず、中国からの
影響、それも大きな影響があったことを知らなかった。


ガレは、不透明な被せガラスの中国陶器に魅せられ、1885年、ベルリンの
工芸美術館でそれらを見るために、2週間滞在したという記録があり、実際、
それ以降の作品に、清朝ガラスの影響が見てとれる。

また、2015年にガレの旧蔵品がオークションに出され、花器「蜻蛉」制作
の参考にしたと一目でわかる清朝の鼻煙壺があったことから、中国の影響が
確認された。


中国のガラスの歴史は古い。
紀元前5世紀から3世紀のトンボ珠が展示されていた、で、次は一挙に清朝の
時代の展示となる。

乾隆帝の時代(1736~95)、フランスからガラス工芸の技術者を2名招聘し、
宮廷用の品を造る工房を紫禁城内に造った。
この時代、黄色は皇帝か皇妃用の品にだけ使われる色だった。
「黄色鳳凰文瓶」(サントリー美術館)
不透明なガラス。木の枝にとまる鳳凰を彫ってある。
kiro.jpg


古代の青銅器を模した形のものも造られた。
「青色文字入双耳瓶」(永青文庫)

青色文字入り双耳瓶.jpg


紅色宝相華唐草文鉢(サントリー美術館)

高台や模様は削り出している。
赤.jpg



雪片地紅被騎馬人物文瓶(サントリー美術館)
白のガラスの上に紅色を被せ、勇壮な騎馬武者が戦う場面を彫ってある。

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乳白地多色貼獅子浮文篇壺 (東京国立博物館)

色違いのガラスで獅子の親子を表している。

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中国の影響がみられるガレの作品が展示されていた。
花器「カトレア」1900年(サントリー美術館)

花器「おだまき」1900年(サントリー美術館)


最後に「鼻煙壺」のコレクション(町田市立博物館)がずらりと並んで壮観だった。

鼻煙.jpg

7月1日までなので、会期はあとわずかですが、おすすめ。



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レアンドロ・エルリッヒ展 [展覧会(絵以外)]

六本木ヒルズにある「森美術館」で開催中の「レアンドロ・エルリッヒ展」へ行った。
サブタイトルが「見ることのリアル」
映画を見た帰りに友達と「よくわからないけど、時間もあるし、行ってみよう」

レアンドロ・エルリッヒ《反射する港》2014年

Erlich1.jpg

入ったとたん、真っ暗な部屋での展示はかなり大きな水槽に浮かぶ舟。

「こんなのフツーじゃない」って思うのは最初の数分だけ。よーく目をこらして見ると、
水がない!じゃーなんで水に映る影があるの?

友達と行ったので、あれこれ、謎解き気分で見て回った。
た・の・し・い!


レアンドロ・エルリッヒ《雲》

Erlich2.jpg


「雲?」「それがよく見てよ。実は、、、、」



ほかに、奥行きがあるように見えるマジック?それとも?の写真とか、ま、楽しい。

「試着室」は、鏡とスツールだけ、カーテンで仕切られたブースがいくつもいくつもあって迷路。
あれ!鏡に映ってるのが自分じゃない。大変。出ようとしても、鏡のマジックでどこにいるのか
わからなくなってくる。鏡にぶつかったら困るし、、体験型でおもしろい。



次の部屋は写真での表現シリーズ。


レアンドロ・エルリッヒ《ファーニチャーリフト》2012年

Erlich3.jpg

 

写真にあるクレーンで持ち上げられてる家の模型がすぐ横にぶら下がっている。
この建物、実は、写真に写ってる家が持ち上げられてる。家ごと引っ越す場面。
そんなことあり?




この展覧会で一番面白いのは、ポスターやちらしに使われてる演劇の一場面のようなもの。


Erlich5.jpg

作家名/作品名:レアンドロ・エルリッヒ《建物》
この写真/動画は「クリエイティブ・コモンズ表示 - 非営利 - 改変禁止 2.1 日本」ライセンスでライセンスされています


下に窓の写真があるので、寝転んでポーズをとると、正面に垂直に置かれた鏡に
自分が映るしかけ。
「写真撮ったげるから、やりなさいよ」「いやよ。あなたがすれば」と譲り合い、
見るだけだった。

これが、今回の展覧会のちらし&ポスター

ErlichTirashi.jpg

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